Archives par étiquette : film français

Le grand bain, de Gilles Lellouche, lâcher prise

Bertrand, cadre dépressif, très dépressif, dont un des tiroirs de sa cuisine est rempli de médicaments, se trouve un jour fasciné par une équipe masculine de natation synchronisée observée à la piscine municipale. Il rejoint l’équipe, entraînée par Delphine, une ancienne championne. Quand une équipe sportive se constitue, elle doit se donner un objectif. La suite dans vos salles.

Je suis sorti du film avec le sourire, reconnaissant envers les auteurs du film de ce bon moment, de cette histoire, de ce regard sur leurs personnages.

J’ai eu envie de remercier ces comédiens qui nous font don de leurs corps quelque peu flasques, à rebours des canons de la beauté. De tous, c’est sans doute Philippe Katerine le plus brillant, le plus clown de la bande. On a aussi envie de remercier Benoît Poelvoorde, qui maîtrise le volcan en lui et qui n’écrase pas les autres.  Et Jean-Hugues Anglade, en looser harmonieux et assumé. Et aussi Leïla Bekhti, qui invente une entraîneuse paraplégique que même des légionnaires endurcis pourraient redouter. Enfin, je parie que quelques répliques du film vont devenir cultes. Moi je les utilise déjà, mais je ne dirai pas lesquelles ne voulant pas passer pour un psychopathe.

L’histoire est bien racontée ? Oui. L’histoire est parfaitement racontée ? Non. Il y a des ellipses arrangeantes ? Oui. Certains personnages sont un peu sous-exploités ? Oui. Le passage de relais entre les deux entraîneuses n’est pas très clair ? Oui, il ne l’est pas. Mais on s’en fout. Ce film cadeau-gâteau, je le mange comme il est.

Ce qui m’a particulièrement intéressé, c’est comment le film se construit, à travers la peinture à petites touches de ses personnages, qui tous – ou presque – commencent par s’enfoncer plus ou moins doucement dans leurs difficultés. Et ce plutôt qu’une construction classique, où l’on voit le recrutement de l’équipe dont on connaît dès le départ la mission (Les sept mercenaires, Les douze salopards,…), etc.

Ce qui m’a particulièrement touché, c’est aussi le message du film – moi j’en ai trouvé un – . Pour réussir quelque chose de grand, il faut lâcher prise. Il faut prendre le risque du dénuement. Il ne faut pas se conformer à ce qu’on attend de soi. Il faut être capable de s’abandonner.

Vivement le prochain Lellouche dont je connaissais très mal la carrière et l’œuvre avant de lire pas mal d’articles consacrés à ce film.

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Nos batailles, de Guillaume Senez, touchant

Olivier est chef d’équipe dans un immense entrepôt logistique dédié à la VPC. Deux enfants, Elliot et Rose, sa femme Laura. Laura, dont on sent la fragilité, s’en va sans prévenir, sans explications. Olivier, aidé par sa mère puis par sa sœur, doit faire front.

Dans La vie est belle, le héros est d’abord dépassé par les événements, et prend peu à peu conscience de son utilité, de ses responsabilités, de ce qu’il veut vraiment. Nos batailles, c’est un La vie est belle moderne, pas mélodramatique, ancré dans la terrifiante réalité professionnelle et sociale de l’entreprise où travaille Olivier. Une entreprise gérée au quotidien par les RH, les relations humaines, qui sont ici plutôt des RI, des relations inhumaines. Où chaque geste du travail est mesuré, enregistré, analysé, comparé, jaugé. Où l’on dégage toute personne sur qui plane l’ombre d’un doute. Où la moindre demande de bon sens se heurte à un “si t’es pas content tu t’en vas”. Où la fin justifie les moyens. A croire que les managers impitoyables d’aujourd’hui n’ont toujours pas assimilé la leçon des managers impitoyables qui les ont précédés : c’est une mission dont on finit toujours par se faire dégager, une fois le sale boulot fait, ou quand sur soi aussi vient planer l’ombre d’un doute, ou quand le boomerang vous revient en pleine poire.

Mais le plus intéressant, le plus touchant dans le film, ce n’est ni la peinture du boulot d’Olivier (Romain Duris), ni ses tourments intérieurs attisés par la figure syndicaliste paternelle, ce sont ses relations avec ses enfants – archi justes – , avec sa mère  (Dominique Valadié) – archi justes – , et surtout avec sa sœur (Laetitia Dosch) , comédienne, intuitive, qui trouve les mots pour ouvrir l’âme et le cœur d’un Olivier blessé, déboussolé, sous pression. Ce sont les séquences que j’ai préférées dans le film. Va savoir pourquoi. On a tous besoin d’une âme sœur sans doute. Ou d’un ensemble de morceaux d’âmes sœurs.

Voilà, Nos batailles c’est intéressant, c’est solide, c’est touchant.

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I feel good, de Benoît Delépine et Gustave Kervern, lassant

Après trois ans sans donner de nouvelles, Jacques débarque en peignoir dans la communauté d’Emmaüs dont sa sœur Monique est un des piliers. Le truc de Jacques c’est de monter un business, encore faut-il avoir une bonne idée. Et là, il croit l’avoir : rendre les pauvres beaux grâce à de la chirurgie esthétique super low-cost. Encore faut-il trouver des clients. Il tente de les recruter parmi les compagnons.

I feel good, c’est une histoire qui se déploie, et de temps en temps comme une série de sketchs façon Groland qui s’entremêlent. C’est le télescopage entre l’idéologie libérale incarnée et ridiculisée par Jacques à l’insu de son plein gré, et une communauté faite de partage, de bienveillance et de solidarités.  C’est la rencontre entre un Jean Dujardin vedette oscarisée au teint hâlé et une Yolande Moreau sans fards. C’est une image peu sophistiquée, assez brute, proche d’un reportage télé, un peu vilaine quand même. Il y avait peut-être autre chose à trouver pour raconter cette histoire.

En dépit de l’abattage de Dujardin qui ne se ménage pas (et qui est vraiment très bronzé on dirait Séguéla), de quelques trouvailles (la piscine du copain d’enfance, le bronzage de sa femme, le pédiatre, la fin, … ), et de toutes les bonnes volontés réunies, l’histoire finit par doucement patauger. On ne saura pas grand chose de toutes ces silhouettes Emmausiennes. On ne comprendra pas vraiment les motivations de Monique. Une certaine lassitude s’installe, en dépit d’une excursion en Bulgarie et en Roumanie qui relance un peu la machine sur le tard.

Bon, on peut aller voir par curiosité. Si on est un grand fan de Groland, on ne s’ennuiera sans doute pas. C’est pas mon cas.

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Fleuve noir, d’Erick Zonca, noir de noir

Un ado, Danny, disparaît. Le commandant Visconti enquête. Un voisin l’intrigue. La mère de l’ado le fascine. Et son fils à lui deale du côté de Pigalle. Ca va pas être une enquête facile, et ce d’autant moins que Visconti est au bout du bout du rouleau de sa vie.

Vincent Cassel est stupéfiant, en flic usé, alcoolique, laid, quasi difforme, mais dans lequel la flamme humaine et l’instinct policier ne sont pas tout à fait éteints. Romain Duris ne l’est pas moins en prof apprenti écrivain introverti et allumé. Et Sandrine Kimberlain en mère éplorée, éteinte, qui survit, l’est tout autant. Ils sont tous les trois sortis de leurs sillons. Dans des compositions, des quasi contre emplois. Et le reste de la distribution ne connaît pas de faille.

L’histoire tourne bien. C’est fluide. Comme un fleuve. On sait où on est. Il n’y a rien de superflu, pas de coquetterie de style. Pas de facilité de récit. C’est maîtrisé. Et c’est noir, noir, noir de noir. Comblera les amateurs de polars.

 

Haramiste, de Antoine Desrosières, sororité

Je suis venu à Haramiste de la manière suivante.

J’ai commencé par parcourir une série de liens vagabonds de Méta Media intitulée “La guerre des télés contre Netflix est déclarée”.

https://www.meta-media.fr/2018/05/12/liens-vagabonds-la-guerre-des-teles-contre-netflix-est-declaree.html

“A quoi bon déclarer une guerre que l’on a déjà perdue ?” me demandai-je et m’est revenue une interview lue dans un blog qui donne des pistes pour comprendre pourquoi la création télévisuelle française est aussi peu fructueuse : impasse de la politique des auteurs, suprématie du réalisateur, mépris du travail du scénariste, étroitesse d’esprit, conformisme et aveuglement des décideurs, absence de confrontation des projets à la réalité, ….

Malaise chez les scénaristes de séries françaises

Continuons, en lisant cet article, tout à la fin, je tombe sur un lien vers un autre billet de blog que je suis :

« Haramiste » à l’épreuve des cultural studies : entretien avec Antoine Desrosières

Pour résumer, les cultural studies, c’est un moyen de s’assurer que son projet ne comporte pas de stéréotypes, de biais raciaux, d’esprit colonial, etc. Surtout utilisé aux USA. Et ici on gagnerait à se poser ce genre de questions au cinéma et à la télé, indique le scénariste interviewé dont il est question plus haut. Bref, continuons, je décide de visionner le moyen métrage Haramiste objet de la seconde interview. Je fais ça derechef (derechef, c’est désuet, j’adore). 40 minutes. J’en pense quoi ?

• La question culturello-islamo-sociétalo-jesaispasquoi m’est passé un peu au-dessus de la tête. J’ai surtout vu deux sœurs qui tchatchaient sur la sexualité, les interdits, leurs désirs. Autrement dit, je ne me suis pas dit : “Oh là là , des jeunes musulmanes qui parlent de cul, quelle audace !”

• Paradoxalement, ce sont les morceaux de conversation non “explicites” qui sont le plus intéressants, comme quand la grande force à la soumission la petite par chantage, c’est vraiment juste et drôle.

• J’ai préféré la plus jeune sœur, pleine d’une énergie comique qui ne demande qu’à sortir.

• J’ai pas été subjugué, juste intéressé et par moments séduit.

Combien ça coûte de faire un film comme celui ci ?  Le tournage ( 3 décors : un banc devant le centre commercial, au pied de barres d’immeubles, dans la chambre des sœurs, 0 machinerie, rien qui a l’air très compliqué à faire… ) La postprod. Et avant tout cela, l’écriture. A combien la valoriser ?  Tout ça pour dire que le sujet c’est pas le budget mais l’histoire qu’on a à raconter. On en a une, ou on en n’a pas.

Après Haramiste, où nous emmènera le prochain Desrosières ? Sur Netflix ?

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L’éveil de la permaculture, de Adrien Bellay, perspectives

Soirée-débat au Trianon de Sceaux. Je suis arrivé au dernier moment. La salle était pleine. Un documentaire pour expliquer ce qu’est la permaculture et faire le point sur son développement en France.

Permaculture. Je connaissais le nom. J’avais entendu parler de la ferme du Bec Hellouin en Normandie. Je croyais que la permaculture c’était l’art d’associer des plantes pour plus d’efficacité dans un jardin. On m’aurait demandé, j’aurais dit que mes beaux-parents étaient des permaculteurs qui s’ignoraient et que, vu la tête de nos jardinières sur notre mini-terrasse, nous aussi étions nous aussi à notre échelle microscopique des genres de permaculteurs. Bon, trêve de plaisanterie.

Donc, après quelques minutes de film, mes préjugés volent en éclats et mon ignorance est révélée. La permaculture, c’est une science et un art. Née de l’observation de la nature. La permaculture, c’est surtout le fruit d’un processus de design, c’est à dire d’analyse de l’existant, du terrain, de son évolution dans le temps, des besoins d’une communauté, de son organisation, etc.

Le chiffre le plus frappant est celui de la comparaison avec l’agriculture intensive : elle consomme 14 calories pour en produire une, contre une calorie en générant 25 pour la permaculture.

En sortant, on se dit quoi ?

Que c’est un peu le même sujet qu’Infinity war, sans effets spéciaux.

Que ça provoque un mélange de révolte, de mélancolie et d’espoir.

Qu’on a envie, non pas d’en savoir plus, mais d’essayer.

Que s’intéressent au sujet non pas (non plus) des bobos new age mais des gens de tous horizons, et de plus en plus des CSP + (médecins, ingénieurs, …), et des professionnels de l’agriculture ( ces derniers ont déjà la terre, l’expérience, et la possibilité de mettre en œuvre rapidement des choses ).

Qu’il faut envoyer un message incitatif à l’agriculture industrielle intensive en soutenant celles et ceux qui produisent la nourriture autrement.

Qu’il ne faut rien attendre, ou pas grand chose, de l’Etat ou des collectivités locales rendues largement impuissantes, par exemple sur des sujets comme les déchets traités par des technostructures hors d’atteinte des citoyens, mais qu’il faut agir à son niveau. Et tout de suite.

Qu’il faut refuser de se trouver en permanence défié par l’égoïsme, la cupidité et la duplicité, devenus des valeurs exemplaires : tu mens, tu trompes, tu voles, tu empoisonnes, tu dissimules, tu manipules, tu épuises, tu fabriques des produits qu’on ne peut pas réparer, tu ruines l’eau, les sols, l’air ? Tes pubs font rêver ? Tes marges explosent ? Tu optimises ta fiscalité pour ne pas participer au financement des infrastructures, des hôpitaux, de la protection de l’environnement, etc. Tu es un héros des temps modernes. Tu questionnes ce comportement ? Tu es au mieux un rêveur, mais plus certainement un ringard. Qui ne veut pas jouer le game, tant pis pour toi. Tu sens la loose. Tu portes malheur.

Voilà, on attend avec impatience en France l’annonce de mise en œuvre de permaculture sur de grandes surfaces agricoles.

A suivre. A voir.

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Jusqu’à la garde, de Xavier Legrand, frissons

Dans le bureau d’une juge aux affaires matrimoniales ( c’est comme ça qu’on dit ? ), un couple vient régler la question de la garde des enfants. On écoute la juge lire le témoignage du fils de 11 ans. On écoute l’avocate de la femme. On pense que c’est cuit pour le mari. Son avocate prend la parole. Peut-être pas si cuit.

C’est un film sur la menace. Qui ne cesse de grandir. C’est aussi un film sur le jugement que l’on peut porter sur les choses, sur la difficulté qu’il y a à juger les choses. C’est un film sur le courage. Et aussi une description de ce qu’est un pervers narcissique, et de comment il se conduit quand il est blessé de voir sa proie lui échapper.

Ce film est très beau, très intéressant, très construit, très maîtrisé. De longues scènes. Des scènes géniales comme l’audience du début,  la visite de l’appartement, le concert vu par la fille, le test de grossesse, … Des plans fixes envoutants. Oui, on peut faire des plans fixes qui racontent mille choses. Le bruit comme moteur de la situation, comme signe du dérèglement et de l’oppression : l’alarme de ceinture de sécurité, le bruit de l’ascenseur, …. C’est aussi un premier long métrage, mais pas un premier film puisqu’avec un court-métrage sur le même thème, et la même distribution, Avant que de tout perdre, Xavier Nicolas avait récolté de nombreux prix.

J’ai aimé toute la distribution : Léa Drucker, Denis Ménochet (massif, terrifiant, fragile) et Thomas Giora, le fils de onze ans qui affronte son père pour protéger sa mère, et les autres.

C’est assez universel comme histoire me semble-t-il. On attend maintenant avec envie le prochain film de Xavier Legrand qui lui sait raconter une histoire, et où placer sa caméra pour la raconter. Mais, comme par hasard, c’est aussi un acteur. A voir.

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Le retour du héros, de Laurent Tirard, marrant et vite oublié

1812. Pour guérir sa jeune sœur qui dépérit d’être sans nouvelles du capitaine Neuville, lequel est parti à la guerre le jour même où il a demandé sa main mais ne lui a jamais écrit comme promis, Elisabeth Beaugrand se lance dans une fausse correspondance décrivant les aventures extraordinaires du capitaine. Elle finit par le faire passer de vie à trépas dans une dernière lettre. Deux ans plus tard, alors que sa sœur s’est finalement consolée et mariée, Elisabeth tombe sur un Neuville clochardisé, de retour au pays. Gros problème.

C’est très marrant. On se demande comment les acteurs ont réussi à garder leur sérieux au tournage. Mais, le lendemain, j’avais presque complètement oublié le film. Pourquoi ? Quelques hypothèses :

+ il y a beaucoup de facilités dans le récit comme, par exemple, la rencontre des deux protagonistes. Pourquoi Elisabeth (Mélanie Laurent) déballe-t-elle tout si ce n’est pour arranger les billes des deux scénaristes ? Moi, spectateur lambda, ça m’a échappé. Et, ce genre de gêne,  n’y a-t-il personne pour la ressentir, pour leur en parler avant même la production ? Question de finalités peut-être. Donc, on a un film avec une bonne histoire, mais pas une super histoire qui impressionne, qui imprime.

+ les imperfections du récit sont massivement gommées par le jeu des acteurs, mais ils sont tellement bons que paradoxalement, ils révèlent les pistes inabouties de l’histoire comme, autre exemple, l’érotomanie de la petite sœur. Au delà des rôles principaux, il faut regarder l’extraordinaire travail d’Evelyne Buyle et aussi celui de Fabienne Galula qui dit des choses avec des petits mouvements de ses doigts.

+ je suis bien en peine de dire ce qu’il aurait fallu faire, mais il m’a semblé que la mise en scène, la façon de filmer, tout cela était un peu plat, ne faisait pas tant d’effet que cela.

+ dans Neuville (Jean Dujardin), je me demandais parfois si je ne voyais ou n’entendais pas Hubert (les afficionados ont compris), et à quelques instants, FX ! (il se reconnaîtra 😉 ) Ca trouble un peu ce sentiment au beau milieu d’une scène se déroulant du début du 19ème siècle.

Pour résumer, Le retour du héros, c’est marrant, ça aurait pu être un chef d’œuvre, un nouveau film culte, et puis en fait non. Dommage.

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Le brio, d’Yvan Attal, pas tant que ça

Premier cours de sa première année à Assas pour Neïla Salah. Elle arrive 5 minutes en retard. Le prof, Pierre Mazars, l’humilie devant l’amphi et ses centaines d’étudiants. Mais ses propos, provocateurs, limites, finissent en ligne. Scandale. Le président d’Assas, ami de Mazars, a une idée. Que Mazars coache Neïla pour le concours annuel d’éloquence, et le conseil de discipline qui le convoque s’en trouvera amadoué. Mais que va-t-il se passer ?

Ce que j’ai aimé :

  • Les deux personnages, leur affrontement.
  • Le naturel de Camélia Jordana. Le cynisme de Mazars (Daniel Auteuil).
  • Les vannes et les provocations de Mazars.
  • Les réparties de Neïla.
  • La famille et les amis de Neïla.
  • D’en apprendre un petit peu sur les stratagèmes de l’éloquence.
  • La dénonciation d’une forme de victimisation.

Ce que j’ai moins aimé :

  • La superficialité de l’ensemble. Ca pourrait aller beaucoup plus loin il me semble. J’ai eu sans arrêt l’impression que le film ouvrait des portes, les laissait ouvertes, restait  à leur seuil, sans explorer, sans aller plus avant, avec beaucoup d’implicite du genre “vous comprenez ce qu’on veut vous dire, hein ?”. Moi, j’aime bien quand ça va au bout des choses. Chacun sa cuisine.
  • L’ellipse sur les progrès de Neïla.
  • Le démarrage foudroyant de l’histoire, un peu capillotracté, qui atténue le conflit intérieur de Mazars. C’est l’acte un le plus rapide que j’ai jamais vu.
  • Les dernières scènes qui laissent penser que les auteurs ne savaient pas très bien en fait où ils voulaient nous emmener avec leur film et ce qu’ils avaient à nous dire sur la transmission, les immigrés, la culture, les banlieues, la bêtise du monde, etc.

Dommage. On serait passé de bon à très bon, voire captivant ! On peut voir. Ou pas.

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Santa & Cie, d’Alain Chabat, déçu

Trois jours avant Noël, Santa Klaus a un grave problème : ses lutins sont brusquement tombés malades. La production des jouets est arrêtée. Un vieux grimoire lui donne la solution, il doit aller sur terre trouver de la vitamine C. Il part avec ses rennes et son traineau.

Ayant entendu un concert de louanges formulées par Pierre Lescure lors de l’émission C à vous, je suis allé voir Santa & Cie espérant beaucoup rire. J’ai vu un film fait d’une succession de trouvailles, d’idées plus ou moins brillantes, cherchant à exploiter les possibilités de la situation. Et ça ne m’a pas fait beaucoup rire. Et à peine plus la salle. Ca ne m’a pas emporté comme je l’aurais aimé. Trop disparate ? Trop téléphoné ? Trop private joke ? Trop entre-soi spirituel ? Difficile à dire. Sans doute est-ce compliqué de jouer sur autant de tableaux comme le fait Chabat en étant à la fois le scénariste, le réalisateur, le personnage principal et l’ami de quelques comédiens célébres qui font au film l’honneur de leur présence. Est-ce que je voyais un personnage de Père Noël, ou alors Chabat jouant le Père Noël, ou alors Chabat tout court ayant un message sur l’enfance ?  Ca n’est pas passé. Tant pis.

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